Art Déco y Vanguardias: Lempicka, Cartier, Gargallo, Brancusi y Chanel

Tamara de Lempicka: La Estrella del Glamour Art Déco

Tamara de Lempicka fue la primera artista mujer en convertirse en una estrella del glamour. Influenciada por el cubismo, fue una de las mayores representantes del estilo Art Déco en dos continentes y la retratista más reconocida de su generación entre la alta burguesía y aristocracia. Gracias a sus amistades, pudo exponer sus pinturas en los salones más elitistas del momento.

Sus obras son reconocibles a primera vista, ya que creó un estilo único que influyó con gran potencia en estilos posteriores, como el Pop Art y el cómic.

El Estilo Inconfundible de Lempicka

Sus obras combinan un estilo escultórico clásico con el cubismo y muestran a mujeres emancipadas y adelantadas a su tiempo. A estas mujeres de la época se les denominaba flappers: eran amantes de la vida nocturna y los lujos, y usaban el cabello recortado a la altura del mentón, a lo garçon.

En sus retratos de mujeres, podemos apreciar un estilo misterioso y elegante. Los trajes, la cara y el pelo parecen estar bañados en hierro y otros metales. Los ángulos agresivos y el brillo exagerado sugieren que los personajes no son de carne y hueso.

Sus obras tienen ecos de la fotografía y la moda, y fueron rompedoras en la representación de la mujer. La artista construyó una imagen emancipada y libre, con personajes femeninos adelantados a su época.

Cartier: Joyería Art Déco y la Revolución del Diseño

La moda femenina adoptó un estilo masculino y estilizado. La joyería Art Déco se caracteriza por los diseños geométricos, diversas combinaciones de color y motivos abstractos. Las piedras preciosas más populares de este período fueron los diamantes, rubíes, zafiros, esmeraldas, y el metal preferido fue el platino.

Innovaciones y Versatilidad en la Joyería Cartier

La gran innovación era el montaje de las joyas sobre esqueletos de platino, lo que las hacía muy flexibles y permitía trabajos minuciosos y detallistas. Otra de las peculiaridades era la versatilidad de las piezas, ya que la mayoría constaban de varios elementos convertibles que permitían usarlas como collar, broche, pulsera o tiara.

La casa Cartier fue la primera en introducir combinaciones que mezclaban los diamantes con piedras de color, como los zafiros o esmeraldas. Su colección Tutti-Frutti es conocida tanto por la combinación de color como por ser un ejemplo y muestra de las tendencias de la época.

Temáticas y la Influencia de Cartier

Una de las temáticas más utilizadas fue la de los elementos naturales y animales. De los animales retratados, el más importante fue la pantera de Cartier. Los motivos con más presencia en esta época fueron los orientales: Egipto, China e India.

La firma Cartier fue la precursora de los cambios en joyería. Monarcas aristocráticos de Europa, sultanes de Asia, maharajás de la India, jeques árabes, magnates de EE. UU. y estrellas de Hollywood han lucido las joyas y accesorios Cartier. Esta tradición artística fue perpetuada por tres generaciones de la familia.

Los Relojes Cartier: Un Legado de Innovación

Lo más representativo de Cartier son sus relojes. Louis Cartier creó el primer reloj de pulsera con correa de piel. Jacques Cartier aprendió en la India nuevas técnicas, tallas y diseños. Con el tiempo, los maharajás más ricos de la India se convirtieron en clientes de Cartier. Algunas piezas, como brazaletes y collares de gala, fueron forjadas con formas tradicionales indias, mientras que otras joyas se elaboraron con un estilo nuevo y moderno.

El encargo más espectacular fue la remodelación de las joyas de la corona del Maharajá de Patiala, cliente dueño del collar más grande fabricado por Cartier, que incluía el famoso diamante De Beers.

Pablo Gargallo: Escultura entre el Clasicismo y la Vanguardia

Pablo Gargallo es considerado uno de los escultores más importantes e innovadores del siglo XX, combinando el clasicismo con la experimentación.

La Trayectoria de Gargallo y su Lenguaje Escultórico

En Barcelona, se relacionó con los artistas de Els Quatre Gats, y en París vivió en una comuna de artistas con Juan Gris y Picasso, cuya cabeza modeló en una escultura. Su estilo adquiere una dimensión muy personal, derivada de la interpretación del cubismo. Sustituye los materiales convencionales, como el mármol o el bronce, por láminas de hierro forjado. Crea un nuevo lenguaje escultórico, valorando los huecos y macizos, introduciendo el vacío como volumen y dotando a sus figuras de gran dinamismo expresivo. Durante toda su carrera, mantuvo dos estilos aparentemente muy distintos: uno clásico, relacionado con el modernismo, y un estilo vanguardista en el que experimenta con la desintegración del espacio, las formas y los nuevos materiales. Entre sus obras, se encuentran tres inspiradas en Greta Garbo. Sin embargo, la más conocida es El profeta, que es la culminación de su concepto cubista de escultura del hueco y posee una energía expresionista. Se le considera uno de los artistas más significativos de la vanguardia española e internacional.

Constantin Brancusi: La Esencia de la Forma

Un grupo escultórico de Constantin Brancusi llamó la atención de Rodin, quien lo invitó a trabajar en su taller. Sin embargo, Brancusi se negó con su célebre frase: “A la sombra de una gran encina no pueden crecer los arbustos jóvenes”.

La Influencia del Arte Primitivo y la Evolución de Brancusi

En El Beso, puede notarse la comprensión de la forma hacia su interior, la concentración de la energía plástica dentro de un núcleo cerrado. Cuando Brancusi llegó a París, los artistas estaban descubriendo el arte negro, y esto influye en el vuelco *brancusiano* de pasar desde una cultura guiada por las huellas de Rodin hacia las formas de un sintetismo plástico primitivo.

Su obra evolucionó hacia un estilo muy personal, geométrico, con una eliminación de los detalles que le condujo casi a la abstracción. También intentó mostrar la naturaleza mediante una simplificación extrema de la forma, abriendo camino al arte abstracto. Trabajó el mármol, la piedra caliza, el bronce y la madera. Predominan en sus obras dos formas simples: el huevo y el cilindro alargado. Obras como Musa durmiendo, Margit Pogany, Pájaro en el espacio o Negra blanca son ejemplos de su estilo. Realizó su primera exposición individual en Nueva York, y en Rumania realizó el conjunto monumental del Tirgu-Jui.

Coco Chanel: La Revolución de la Moda Femenina

Coco Chanel revolucionó la moda y el mundo de la alta costura de los años de entreguerras. Rompiendo con la elegancia de la Belle Époque, su línea informal y cómoda liberó el cuerpo femenino de corsés y expresó las aspiraciones de libertad e igualdad de la mujer del siglo XX.

La Adaptación a los Nuevos Tiempos y el Estilo *Garçon*

Cuando estalló la Primera Guerra Mundial, Coco se dio cuenta de que los nuevos tiempos exigían un estilo mucho más deportivo y funcional, adaptado a las nuevas circunstancias. Lo primero que hizo fue suprimir el corsé del traje femenino y, dos años más tarde, introdujo el punto en sus colecciones. No solo se atrevió a acortar la longitud de las faldas y a descubrir el tobillo femenino, sino que animó a las mujeres a cortarse el pelo cuando una noche apareció en la Ópera con el cabello corto, creando así el estilo *garçon*. Tuvo la audacia de exponerse al sol cuando el bronceado se consideraba sinónimo de plebeyez, y también de imponer su extrema delgadez a todas sus clientes.

Innovaciones y Creaciones Icónicas de Chanel

• Faldas plisadas de estilo marinero.
• Trajes de talle bajo.
• Pijamas playeros.
• Impermeables.
• Pantalones femeninos.

Creó el célebre traje negro (*la petite robe noire*) con largos collares de perlas. El color negro era asociado al luto; por eso, una de las mayores revoluciones de Chanel fue romper con este vínculo e introducir ese color en la vida de la mujer como sinónimo de elegancia. El perfume Chanel Nº 5 fue elevado a la categoría de mito en su tiempo y actualmente sigue siendo uno de los más vendidos del mundo. Fue la actriz Marilyn Monroe quien convirtió la fragancia en un símbolo. El conjunto de un traje con falda y chaqueta a juego, de manga larga, sin cuello y ribeteado, se convirtió en la estrella de la firma. Cuando los zapatos de tacón de aguja se hallaban en su apogeo, Chanel revolucionó la moda femenina con el zapato de tacón bajo. Colaboró en la creación de un modelo de zapato realizado en dos tonos: el cuerpo y la parte del talón eran de color beige para alargar ópticamente la pierna, y la puntera era de color negro para hacer parecer el pie más pequeño.

El Legado de Coco Chanel

La Segunda Guerra Mundial le obligó a cerrar sus tiendas y exiliarse a Suiza. Cuando regresó a París, no fue bien recibida, pero triunfó en EE. UU. con el traje de *tweed*. Hoy día, los gustos estéticos preferidos de Coco Chanel siguen dominando: mujeres altas y delgadas, piel morena, uso de prendas *sport* y de aire masculino, influencia marinera, trajes como prendas elegantes o la bisutería como sustituto de las joyas.