Conceptos clave en las artes escénicas

ACCIÓ

Una acció és un moviment d'un ésser viu fet amb voluntat i amb una intenció determinada. És l'objecte principal d'estudi i de treball de l'actor, des de la perspectiva de les arts escèniques.

ACOTACIÓ

En el teatre, l'acotació es refereix a les notes o comentaris de naturalesa descriptiva que l'autor inclou en l'obra teatral per explicar detalls relatius als moviments i accions dels personatges en escena, així com tot el relacionat amb la posada escènica.

ACTE

L'acte escènic, cadascuna de les parts principals en què es divideix una obra escènica (per exemple, una obra de teatre, una òpera o una sarsuela).

ACTOR/ACTRIU

Persona que representa un paper en el teatre, la televisió, la ràdio o el cinema, especialment si es dedica professionalment.

Un actor o una actriu és una persona que actua en una producció d'arts escèniques o visuals

APART

Un apart és un recurs del text teatral en què un personatge parla a l'audiència, simulant un pensament en veu alta. Per convenció, l'audiència s'adona que els altres personatges en escena no poden percebre aquesta elocució. Un apart és en general un comentari breu, a diferencia del monòleg i el soliloqui, i expressa el pensament veritable d'un personatge, de manera que pot mostrar-se confós o equivocat, però no pot ser deshonest. També es considera un apart la conversa entre dos personatges o més que es produeix al marge dels altres presents en escena.

CATARSI

Una catarsi o experiència catàrtica és una experiència interior purificadora, de gran significat interior, provocada per un estímul extern; també és coneguda com "l'alliberament de les passions"

El terme "katharsis" també el trobem en la tragèdia grega, quan s'hi refereix Aristòtil. En la seva Poètica, usa aquesta paraula per a designar l'efecte que exerceix la tragèdia en els espectadors. La tragèdia, amb el recurs de la pietat i el terror, ateny l'expurgació d'aquestes passions. "Katharsis", en Aristòtil, és la purificació psicològica pel terror i la pietat.

CONFLICTE

Un conflicte és una situació de desacord o no concordança entre dues o més idees, actituds o comportaments, d'una persona (conflicte intern) o de diferents persones o grups. També es pot definir com al conjunt de dues o més situacions hipotètiques que aparentment són incompatibles entre elles.

CONTENCIÓ

En l’escenari sempre s’està representant alguna cosa, la immobilitat externa no implica passivitat.

La immobilitat física és freqüentment el resultat de la intensitat interna.

COREOGRAFIA

La coreografia és el disseny de moviments i estructures enmig d'una dansa, de forma que es creïn figures, patrons i transicions d'elles amb un efecte estètic més enllà de seguir uns passos prefixats o un ritme concret.

DIÀLEG

Un diàleg és un tipus de text on dos o més personatges intercanvien missatges alternativament.

DIRECTOR/A

Un director de teatre és la persona que estructura i coordina el muntatge d'una obra de teatre unificant diversos aspectes de producció

DRAMATÚRGIA

La dramatúrgia a les arts escèniques és la teoria general de les ciències de l'espectacle i alhora la creació d'un espectacle dramàtic. La dramatúrgia compon, estructura, organitza i estudia els mecanismes de comunicació entre l'escenari (els intèrprets, l'escenografia i la posada en escena en general) i el públic en un espectacle; inscrits en una cultura i temporalitat històrica determinades.

ESCENA

L'escena és, en les arts escèniques, l'espai on els intèrprets executen el seu art davant d'un públic. Correspon a l'àrea on es troben els intèrprets mentre realitzen l'espectacle.

ESCENARI

Part del teatre o d’altre lloc destinat a la representació d’un espectacle davant d’un públic. És el lloc on es desenvolupa una acció o succés i on es col·loquen els diversos decorats i actuen els intèrprets. Pot ser múltiple, circular, movible, giratori, amb diverses altures…

Lloc on es desenvolupa l'espectacle, espai on es munta l'escenografia, i s’actua. Alguns escenaris compten amb trampes i trabuquets, per a les aparicions i desaparicions "màgiques".

N'hi ha de diversos tipus:

-A la italiana. Frontal a la platea, equipat amb espatlles, graelles, etc.

-Isabelí. Tres fronts, sense teló.

-Bifrontal. Entre dues platees en forma de grades.

-Giratori. Amb un o dos discos al centre.

-Lliscant. Llisca cap a les espatlles per mitjà de motors, permetent canvis ràpids d'escenes, escenografies, etc.

ESCENOGRAFIA

Conjunt de decorats que es munten en un escenari per a ser utilitzats en una representació. S’inclouen el decorat la il·luminació, el so, el vestuari… Són necessàries per ambientar i representar una obra de teatre. Aquest recurs escènic tracta de representar una obra de teatre. Aquest recurs escènic tracta de adequar a l’espai físic de l’escena per realitzar el muntatge d’una obra.

ESPECTADOR/A

Un espectador és una persona que assisteix com a públic a un espectacle o treball i que, com a subjecte que rep el treball d'aquesta obra, és en relació estreta amb l'autor que hi dedica el seu esforç perquè l’apreciï.

FAULA

Una faula és un relat breu de ficció on els protagonistes són animals o plantes que parlen. La faula té un caràcter didàctic normalment ètic que es mostra al final. La faula és doncs una narració inventada de fets meravellosos que tenen una conclusió moral.

FLASH-BACK

El salt enrere o analepsi (en anglès flashback, "escena retrospectiva") és una tècnica utilitzada tant en el cinema com en la literatura, que altera la seqüència cronològica de la història, connecta moments diferents i trasllada l'acció al passat.

GAG

En comèdia, un gag o gag visual és quelcom que transmet el seu humor a través d'imatges, generalment sense l'ús de paraules.

Hi ha diversos exemples utilitzats en la història del cinema per directors que han basat la major part del seu humor en gags visuals, fins i tot al punt de no utilitzar el diàleg.

Un dels exemples més recents i importants el podríem trobar en la sèrie televisiva Mr. Bean.

GÈNERE TEATRAL

Un gènere teatral, gènere de teatre o gènere dramàtic és un concepte de tipus categorial que permet classificar les produccions teatrals tenint en compte aspectes d'estil artístic, de forma, de contingut o altres.

Es poden combinar i encavalcar diversos criteris per establir les categories secundàries. Així doncs, la llista de gèneres no està tancada. Segons la teoria realista clàssica hi ha dos grups principals: el de la comèdia, i el de la tragèdia i el drama.

GEST

Un gest és un moviment d'una certa part del cos amb intenció comunicativa, és a dir, amb un significat, sigui conscient o inconscient.

A totes les cultures també s'ha desenvolupat la dansa, que, com les altres arts escèniques, és un procés creatiu i artístic que utilitza com essència el llenguatge gestual -el gest i l'acció creativa- del cos.

IMPROVISACIÓ

La improvisació teatral és la improvisació aplicada al teatre. Un conjunt de tècniques d'improvisació s'utilitzen a la formació i entrenament actoral; a més, les improvisacions són usades per a la creació de les obres de teatre, tinguin o no ja prèviament fixat un text; finalment, la improvisació teatral és en si mateixa un gènere teatral, o més aviat un grup de gèneres dramàtics en els quals els actors improvisen en directe, com ara la comèdia de l'art, el clown, el cabaret, el cafè-teatre, les lligues d'improvisació o sovint el teatre de carrer.

IL·LUMINACIÓ

Conjunt de dispositius que s’instal·len per a produir certs efectes lluminosos, tant pràctics com decoratius. S’engrandeixen com a codi no verbal i es mostra com un llenguatge a partir d’escenes. Objectius: il·luminar l’escena per a que es veja bé, modelar contorns i volums per percebre correctament l’espai. Dirigir la mirada del espectador i crear atmosfera i ambient.

LEIMOTIV

Un leitmotiv és una figura artística que, unida a un contingut determinat, es repeteix durant una obra d'art.

MÀSCARA

Una careta o màscara és una peça de material, generalment opac o translúcid, usada per a cobrir la cara.

En obres del teatre: l'ús de màscares en les obres dramàtiques de la Grècia antiga es va desenvolupar a partir de propòsits cerimonials.

Les màscares són també una característica que defineix el teatre de Noh al Japó.

La paraula "persona" ve de persona-ae, que era aquella màscara per sonare (és a dir, per a fer-se escoltar), que portaven els actors en l'antiguitat i que li ocultava la cara al mateix temps que aconseguia fer-li ressonar la veu.

MONÒLEG

El monòleg en les arts escèniques és una obra, o una part d'una obra, en la qual un personatge parla de manera prolongada tot sol.

MUNTATGE -escenografia-

Paraula genèrica que designa el conjunt format per les escenografies, la il·luminació, el so i el vídeo.

PERSONATGE

Un personatge és un caràcter que apareix a obres de ficció, encara que puga tenir una base real o imitar una persona existent.

És un element essencial de la narrativa i el drama. Un personatge pot ser pla si no evoluciona al llarg de l'obra, és a dir, si es manté estable mentre dura l'acció i aquesta no afecta la seva manera de ser. En canvi, els personatges anomenats rodons es veuen afectats per la història i pateixen una transformació. Usualment són més rodons els personatges principals i es presenten amb més detall.

PROJECTAR (LA VEU)

Projectant la veu el que estem fent és una disposició òptima de totes les estructures de ressonància del nostre cos, que sense cap esforç ens permetrà amplificar qualsevol so que emetem.

PROTAGONISTA

El protagonista és el personatge principal d’un drama o història. També és el que actua en les majors accions d’una història. El protagonista és el personatge principal, mentre que el personatge conegut com antagonista, és qui representa la oposició al protagonista. Pot haver més d’un protagonista o antagonista.

QUADRE

Quadre teatral, cadascuna de les subdivisions d'un acte.

Un quadre és cadascuna de les parts en què es pot dividir una representació teatral sense canvi de decorat, és a dir, acaba quan canvia l’escenografia.

SO

Conjunt d’elements i mitjans tècnics que utilitza el llenguatge sonor i acústic. Engloba a la música i molts altres sentits. Segons la seva funció escènica hi ha dos classes de sons: ambientals (pretenen representar la realitat i formen part de la situació: "so d’una porta, pluja”…) i expressius (pretenen simbolitzar la realitat.

TEXT

El text teatral o text dramàtic és en les arts escèniques el conjunt de paraules i frases que poden aparéixer, directament en llenguatge verbal,

utilleria

Són els objectes utilitzats en un espectacle: cadires, taules, llits, etc. La "utilleria de mà "(cigars, tasses, llibres, etc.) es construeix especialment o bé es compra o lloga en cases especialitzades.

VESTUARI

Vestimenta que fa servir un actor per la interpretació d'un personatge.

ADAPTACIÓN
En literatura y artes , consiste en transformar un texto original en otro nuevo o transmutar un
género en otro, como hizo, por ejemplo, Benito Pérez Galdós con la novela Doña Perfecta al
convertirla (“arreglo teatral”) en un drama en cuatro actos y con el mismo título.
No obstante, una adaptación suele referir el trabajo libre y creativo que se realiza sobre
diversos elementos de una obra previa (texto, temática, intencionalidad, escenografía,
personajes, ubicación, espacio-temporal, etc.) para producir y escenificar un nuevo texto y
espectáculo basado, de manera más o menos reconocible, en el precedente. Esta nueva versión,
paráfrasis dramática de un texto anterior, reconoce su deuda (recreación y transformación) con el
texto original; caso contrario al plagio o copia de textos ajenos.
Es posible también realizar una versión escénica rupturista en todo o en parte de una obra adaptándola a unas circunstancias particulares o reescribiéndola para resaltar un nuevo o insólito aspecto. Supongamos, por ejemplo, que en dicha nueva versión el personaje de Lucky de Esperando a Godot fuera ahora una mujer. El significado de toda la obra cambiaría radicalmente y adquiriría un nuevo contenido ideológico y reivindicativo. Estaríamos ante la denuncia de la condición esclava de la mujer maltratada por el hombre y la sociedad capitalista, su violenta servidumbre, la desigualdad y explotación femenina, etc. La adaptación supone una metamorfosis del texto original (novela, fábula, cuento, película, poema, etc.), en tanto que el nuevo texto dramatizado adquiere otros elementos de enunciación (diálogos, apartes, movimientos escénicos, gestos) que recibe de su estrenado género literario. La adaptación, además, posee una amplia libertad de transformación del texto antecesor que le permite ejecutar adiciones o eliminaciones y cambiar aspectos sustanciales: espacios, tiempos, personajes, acciones y hasta el sentido del texto previo. La adaptación escénica no solo puede ser teatral, sino musical, dancística, circense, de teatro  lírico, mimo, etc.

CREACIÓN COLECTIVA
La creación colectiva es un procedimiento natural desde los orígenes de la danza, el canto o la
literatura. En la Edad Media no existía el concepto de autoría e incluso se animaba a la
continuación del texto original (El libro del buen amor). Durante el Renacimiento fue práctica
común el principio de la mimesis textual. En ocasiones, el texto o espectáculo se realizaba
mediante la colaboración de varios autores conocidos (caso de alguna obra de W. Shakespeare con John Fltcher), anónimos o actores autores (Comedia del Arte). Desde el último medio siglo (Living Theatre, mayo del 68), el concepto de creación colectiva se aplica a aquella obra o espectáculo que no ha sido creado por un único autor, sino por los integrantes de un grupo o colectivo de personas que colaboran y suman ideas a una escritura compartida del texto y del espectáculo: músico, actores, autor o autores, escenógrafo, etc. Esta posibilidad, la creación conjunta con difuminado de la figura del autor y el director tradicional, es la más habitual en grupos y compañías de teatro independientes, que adaptan o generan un espectáculo a partir de las modificaciones y contribuciones de los ensayos colectivos y de todas las aportaciones individuales. Aunque, ante las improvisaciones creativas, juegos escénicos y continuas innovaciones del texto, debe prevalecer un criterio vertebrado de la creación colectiva, representado por la figura de un pseudo-director de escena o similar (el animador o gestor cultural, el actor más experimentado, el autor del texto primitivo o un asesor teatral), que proyecte la definitiva puesta en escena. En realidad, el espectáculo escénico es siempre tarea y práctica colectiva, suma de aportaciones individuales: actor, director, escenógrafo, músico, figurinista, maquillador, técnico de luz, imagen i sonido, etc.

CREACIÓN DE UN PERSONAJE
Partiendo de un texto dramático y de sus
acotaciones referidas a un personaje, se procede a
crear dicho personaje. No es bueno llegar pronto a
una construcción cerrada del personaje. Es un
proceso que requiere su tiempo para transformar
un personaje textual en un actor concreto.
El actor y director construyen la psicología,
actitud , voz y físico idóneo del personaje a partir
de los monólogos y apartes en los que este
expresa lo que piensa. Su aspecto exterior puede
estar indicado en las acotaciones. Y el definitivo
retrato del personaje lo obtendremos con sus
parlamentos y acciones realizadas (rol actancial).
Muchos actores afirman que la caracterización y,
principalmente, la vestimenta les hace sentirse,
expresarse y moverse definitivamente como su
personaje. Sienten que el vestuario es una manera
de meterse , física y emocionalmente, dentro de su
personaje, enfundándose su piel.
El actor, como encarnación final y visual del
personaje, debe observar una técnica que
Stanislavski distribuía en dos direcciones creativas.
Una iba hacia el interior del actor, que tenía que
“vivir el personaje”, expresándose y moviéndose
como él, sintiéndolo como otro yo dentro de sí
mismo. Otra era “vestir el personaje”, que incluía
una serie de técnicas externas: relajación, respiración, trabajos sobre el movimiento, la voz,
elocución, etc. Stanislavski recomendaba infundir vida real, espíritu, a un personaje que antes
solo existía en un papel escrito.
La caracterización de un personaje incluye, pues, dos vais que no están incomunicadas ni son independientes. Caracterización psicológica: personalidad, expresión emocional, tono y volumen de voz, actitud, espíritu. Caracterización física: postura, movimiento corporal y escénico, andares, mirada, gesto, voz, etc. Otros aspectos externos de la caracterización física son el vestuario, calzado, maquillaje, peinado y tocado.

ENSAYO
Nunca debe olvidarse que un ensayo es una sesión de trabajo. Y es un trabajo fundamental
para el aprendizaje del texto dramático y su correcta memorización, para ir experimentando y
perfeccionando los diversos aspectos del montaje definitivo.

Konstantín Serguéievitx Stanislavski (Moscou, 17 de
gener del 1863 - Moscou, 7 d'agost del 1938) va ser un
actor i director de teatre rus. És internacionalment
reconegut pel sistema Stanislavski de formació i preparació
d'actors.

Ensayar una obra teatral consiste, por tanto, en efectuar una serie de prácticas escénicas con
los actores para el adecuado aprendizaje creativo y la interpretación interiorizada de sus
respectivos papeles siguiendo las indicaciones del director de escena y con el objetivo de una
escenificación definitiva.
Suele realizarse una primera lectura de la obra con interpretaciones e intervenciones del autor,
director artístico o de escena (ensayo de mesa). A continuación, se produce el reparto de papeles
a los actores que realizarán los ensayos pertinentes durante varias semanas. Mientras, se irá
precisando la escenografía, mobiliario, utilería, etc. Poco antes de los ensayos generales (2 o 3),
se completa la caracterización (maquillaje, peluquería, sastrería), iluminación, música, etc.
El ensayo general es la representación completa de una obra escénica (musical, dancística,
teatral, etc.) entes del estreno.
Los ensayos son un procedimiento de trabajo actoral y escénico que tiene dos líneas
complementarias. La primera está perfilada por las indicaciones y correcciones del director. La
segunda se diseña a partir de las aportaciones y sugerencias creativas de loa actores,
escenógrafo, músico, técnicos, etc.

PRODUCCIÓN DE UNA OBRA TEATRAL
La producción de un espectáculo consiste en el trabajo previo a la realización escénica.
Contiene la propuesta de la obra y su definición escénica, el diseño de figurines y vestuario, la
selección de actores, la elección de la música, etc. Una producción está dirigida por el
productor. Este desempeña labores de planificación y organización, financiación económica,
publicidad, gestión del montaje y realización, selección de la obra y elección del director de
escena.
El proceso de producción de cada obra escénica debe adaptarse a su tipología concreta. A
grandes rasgos, podríamos considerar que hay tres etapas interrelacionadas.
Cuando el productor ha elegido una obra, comienza una primera parte reflexiva, en la que
se piensa y realiza un proyecto adecuado al mensaje y estética del texto y a las
circunstancias financieras de partida. El proyecto incluirá un plan del montaje con el boceto
de la escenografía, vestuario e iluminación. Después, se decide quienes formarán parte del
equipo artístico (director de escena, escenógrafo, iluminador, figurinista, músico), técnico
(sonido, iluminación, maquillaje, peluquería, vestuario) y el elenco de actores; ya organizado una prueba selectiva o casting, ya contratando a una compañía. En el momento de distribuir los papeles, se fija una fecha de estreno y los ensayos previos. La segunda etapa consiste en el montaje de la obra, es decir, en la elaboración de la escenografía y vestuario; la construcción de personajes, movimientos, escenas y cuadros; y la progresiva conjunción y concreción de todos ellos en los sucesivos ensayos parciales y postreros ensayos generales. En la tercera etapa se materializa el día del estreno y concluye al realizarse la última función. Momento en que se desmonta y almacena la escenografía y vestuario, y se liquidan los contratos de todos los trabajadores. Sin embargo, el fin de las representaciones de una obra exitosa y afamada puede ser el comienzo de una gira o bolos fuera de temporada en otras localidades.

PROYECTO ESCENOGRÁFICO
Consiste en la planificación concreta de una escenografía para una obra determinada. El
diseño y dibujo de la escenografía o decorados corresponde al bocetaste o escenógrafo. Este
proyecta, delinea y monta la escenografía distribuyendo el espacio escénico y decidiendo la
ubicación del decorado, mobiliario y utilería.

El proyecto puedo seguir al pie de la letra el texto original, manteniendo fidelidad a las
acotaciones escénicas y al espíritu de época, o todo lo contrario, realizar una propuesta
escenográfica que destaque alguna arista temática o genere otra perspectiva innovadora o
creativa sobre algún aspecto o personaje. En ambos casos, el proyecto escenográfico partirá de
las indicaciones e intencionalidad del autor dramático y el director de escena. Y tiene que
adaptarse a la realidad espacial del escenario y a la dotación y equipamiento de ola sala.
El trabajo del escenógrafo pasa cada cuadro de una obra dramática comienza abocetando los
volúmenes y espacios de su proyecto, calculando los movimientos de los actores en el escenario,
escogiendo los colores y motivos, conformando los elementos estructurales (arquitectónicos),
resolviendo la distribución de la iluminación y los focos, generando el clima o atmósfera, etc., y
concluye cuando, montando el decorado, se coloca el mobiliario y los elementos de atrezo.
No obstante, antes de construir la decoración escénica, el proyecto escenográfico se definirá
en conjunción con el proyecto de iluminación y sonido, y el proyecto de confección del vestuario
y de la caracterización.

PUESTA EN ESCENA
La puesta en escena de una obra
escénica consiste en trasladar un texto
escrito a las tablas, es decir, convertir un
texto dramático en un espectáculo
audiovisual. Aunque hay críticos que
piensan que todo texto dramático ya lleva
implícita una “prepuesta en escena”, ya
que este posee una estructuración y
distribución previa de los actos, escenas,
acotaciones, diálogos, apartes, etc.
La puesta en escena, es decir, la
escritura i vida escénica de un texto
dramático, coordinar y reúne dos
direcciones de trabajo:
La organización y coordinación de
la escenografía, vestuario, iluminación,
música, etc.
El trabajo actoral: motivación,
i n t e r p r e t a c i ó n , m o v i m i e n t o s ,
corporeidad, gestualidad.
El teórico y director de escena Jacques Copeau definir la puesta en escena como “el dibujo de una acción”. Es el conjunto de los movimientos, de los gestos y de las actitudes, el acuerdo de las fisonomías, de las voces y de los silencios; es la totalidad del espectáculo escénico que puede emanar de un pensamiento único (el director de escena) que lo concibe, lo regula y lo armoniza. Ya vimos que el director de escena era el encargado de montar la obra coordinando el trabajo escénico e ideológico del dramaturgo, el estético-artístico del escenógrafo y músico, el técnico de sonido, iluminación, la elección y dirección de actores, etc. El director de escena es quien decide el tipo de puesta en escena, que puede ser histórica y fiel al original, enfrentada cronológicamente, generadora de nuevos significados, rupturista y fragmentada, centrada solo en el tema nuclear, innovadora, etc.

RELACIÓN ENTRE SALA Y ESCENARIO
La ubicación de los asientos del público incide en la emisión y recepción del espectáculo
escénico. Los actores de un teatro alternativo en una sala independiente no se relacionan igual
con su público, alrededor o cercano, que los que actúan en un teatro de estructura arquitectónica
a la italiana o en un teatro isabelino. Incluso en un mismo teatro, la situación del público en la
sala, palco, planta o gallinero, varia el modo de relacionarse con lo representado en el escenario.
En efecto, suele olvidarse que en un teatro a la italiana la comunicación que establecen los
actores desde el escenario alzado sobre las butacas que quedan debajo, queda radicalmente
invertida cuando la función se
contempla desde el segundo palco, siete o nueve metros sobre la escena. No estaremos ahora con una perspectiva contrariada sobre actores admirados y engrandecidos, sino empequeñecidos i minimizados. Con todo, un teatro a la italiana, como sucede en las proyecciones cinematográficas, favorece la identificación del público de butacas con la obra. En el teatro alternativo, en el experimental y en algunos tipos de performance (arte de acción, happening), el espectador puede ir más allá, dejar de ser un sujeto pasivo y participar en la acción. La nueva relación y estrecha distancia entre el público y el espacio actoral variarán considerablemente la recepción, vivencia y comprensión del espectáculo. Pero la nueva acogida del espectáculo escénico por parte del espectador vendrá m a r c a d a , a d e m á s , p o r s u comportamiento, percepción estética, experiencias artísticas,
actitud, etc. No obstante, con independencia de la distancia que exista entre la escena y el espectador, entre la sala y el escenario, la ficción escénica logra siempre un determinado grado de filiación y comunicación entre el intérprete y su público. El músico, el bailarín y el actor son conscientes de que sus gestos (Cinésica) y su posición, equilibrio físico y movimientos corporales (Cinestesia) causan emociones y respuestas en  el espectador.