Corrientes artísticas

Arte pop.

El Arte Pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books y objetos culturales «mundanos». El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. El arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters y Man Ray. El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos. con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos») y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto

op-art

El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en el año 1958, es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras. Surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.

se caracteriza por varios aspectos:

• La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético.
• Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación.
• Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.

Naturalismo  (NATURALISTA)

La Fotografía Naturalistica o Naturalista, como la misma palabra lo dice, es la captura de imágenes de índole artístico, testimonial, o documental relacionados a la naturaleza.

En rasgos generales se divide en dos grandes grupos: la flora y la fauna, luego también entra todo lo que sea paisaje y composiciones.

La fotografía Naturalista es algo que vemos todos los días, algo muy fotografiable que el autor siempre a de encontrar a mano para la captura y el logro de buenas imágenes, en este caso enmanosdel fotógrafo italiano Luca Cavallari.

Realismo

Elrealismoen fotografía ha tenido su desarrollo en laHistoria de la fotografíaa través de diferentes movimientos conocidos comorealismos fotográficosque han prestado mayor atención a la documentación fotográfica de la realidad en defecto de los valores estéticos de la fotografía.

También se puede abordar la comprensión del término "realismo" frente al término "abstracción", lo que permite definir el realismo como un lenguaje artístico que utiliza imágenes tomadas del mundo exterior, frente a la abstracción que sustituye dichas imágenes por gestos o signos sacados del proceso mental o de la propia actividad artística, es decir, del mundo interior del artista.

Por extensión, también se aplica el término "realismo" para indicar que una cámara, película o fotografía muestran colores y resoluciones muy precisos, "reales".

contemporánea

– La fotografía posmoderna es una categoría ambigua. Por tres razones principales: por la propia ambigüedad del concepto más amplio de posmodernidad, porque dentro de ella conviven prácticas no ya diversas sino antagónicas, y porque no está tan claro que suponga una ruptura con la fotografía moderna en tanto que parece más bien un discurso de neo-vanguardia y por tanto plenamente afín con los principios originales de la modernidad fotográfica. Parece que la oposición a la hegemonía del canon tardo-moderno de la straight photography no es suficiente para configurar una categoría crítica, historiográfica y epistemológica de suficiente entidad.

– La actividad fotográfica posmoderna es un fenómeno in- disociable del mercado del arte y en particular de la nueva hegemonía de la fotografía en ese mercado a partir de los años ochenta, que la llevó a ocupar el lugar dominante que tuvo la pintura en el contexto tardo-moderno. Esta relación con el mercado caracteriza la doble cara del debate entre, por un lado, la discusión sobre el problema de la representación en la imagen fotográfica y, por otro, su legitimidad como forma de alta cultura. La cuestión epistemológica (reproductibilidad, pérdida del aura, multiplicidad, ausencia de original, etc.) y la cuestión artística (reconocimiento de la fotografía en el sistema de las bellas artes y su triunfo frente a la pintura, o bien, a la inversa, hundimiento de las bellas artes a causa del triunfo de la fotografía) aparecen planteadas de manera indisociable.

Impresionismo

Edgar Degas es considerado uno de los fundadores del Impresionismo. No obstante, su estilo se desmarca del grupo en varios aspectos, fundamentalmente, en su preferencia por los temas urbanos con escenas iluminadas artificialmente, en lugar de la pasión por la naturaleza y la luz natural de otros miembros del grupo; su formación académica se evidencia en que no abandona el dibujo sino que lo convierte en elemento esencial de sus elaboraciones de figuras, predominando pues la línea sobre el color; abandona la técnica al óleo para dedicarse exclusivamente al pastel; utiliza encuadres que lo acercan a la fotografía.

BARROCO

Durante el Barroco la pintura adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas. Siendo la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.

Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de asunto religioso. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista

Surrealismo

Lo que el surrealimo absorbió del modelo fotográfico fue fundamentalmente su modo de operar y proceder en imágenes mediante la articulación inconsciente de la realidad, para ello se sirvió de dos procedimientos: las fotografías manipuladas, o surrealismo técnico, y las que no fueron manipuladas, o surrealismo “encontrado”

Respecto a las fotografías manipuladas, fueron bastantes las técnicas inventadas para transmitir conceptos surrealistas como el automatismo y la libre asociación de ideas.

Para comprender como la fotografía puede traducir estas ideas surrealistas, hay que recordar que la manipulación de la imagen es plenamente aceptable en cuanto a que rompe las reglas de la realidad y libera la invención y la creatividad.

Rococó

El Rococó se define por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, en la mitología, en la belleza de los cuerpos desnudos, en el arte oriental y especialmente en los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y de las relaciones humanas. Es un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.

NEOCLASICISMO

La fotografía es la protagonista de la segunda sección. En la primera mitad del siglo XIX, junto con el retrato y el paisaje, el desnudo fue uno de los temas preferidos de los artistas. A menudo el medio fotográfico intentó reemplazar la pintura realista. El desnudo se vinculó a las disciplinas deportivas y a las ciencias, perdiendo sus características eróticas y alcanzando un espacio social. 
Esta exposición documenta, con numerosos ejemplos extraordinarios, el desarrollo histórico y estilístico del desnudo en la fotografía, cuya evolución en la primera mitad del siglo XIX discurrió paralela a la de los distintos movimientos creativos en los demás medios artísticos: la pintura, la escultura y el dibujo.