Explorando el Arte Griego: Hermes con Dioniso, Laocoonte, Kouros, Discóbolo y Doríforo

Hermes con el niño Dioniso

• Autor: Praxíteles (Atenas, 390-335 a.C.).
• Tipo de obra: Grupo escultórico.
• Estilo: Griego. Segundo clasicismo.
• Cronología: 343 a.C.
• Dimensiones: Altura, 2,15 m.
• Localización geográfica: La estatua ornaba el templo de Hera, en Olimpia, donde fue encontrada durante las excavaciones llevadas a cabo en 1877. Hoy se encuentra en el Museo Arqueológico.

Descripción y análisis de la obra

Obra escultórica exenta que representa a Hermes, con el brazo derecho (hoy desaparecido), que llevaba en la mano un gotim de raïim, mientras que con el izquierdo sostiene, mirándosele con esguard protector, al dios Dioniso. La obra muestra la relación de tendresa que se establece entre un adulto y un niño. En este caso, germanastres.

Aspectos técnicos y estilísticos

Versión helenística, hecha con mármol de la isla de Paros, de un original también de mármol, obra de Praxíteles, hijo de Cefisòdot, también escultor (descrita por Pausànias, poeta griego del siglo II d.C.).

El artista conoce y aplica escrupulosamente el llamado «cànon» de Policlet, resultado de medidas exactas del cuerpo humano, los módulos del cual ofrecen una perfecta proporción entre todas las partes, y que resumen sus ideales de armonía, de simetría y de ritmo.

Praxíteles, que también utilizó el bronce, cuando se enfrentaba con una obra de mármol, cridava en ajut seu el pintor Nícias que posava una pàtina policroma a las suyas esculturas.

Praxíteles logró una fama inimitable debida principalmente a la riqueza del modelado de sus figuras, a la suavidad que sabía transmitir a las formas y a la amorosidad con que atenuaba las musculaturas de las figuras atléticas, que eran una característica de la escultura clásica del siglo V. Praxíteles estructura su obra haciendo gravitar fuera de su eje la figura, que se apoya lateralmente «corba praxiteliana».

La gràcil nuesa, la malenco­nia y la llangor que palesen sus rostros son inspirados en un ideal de belleza joven. Cal remarcar que el escultor nos presenta los dioses bajo unas fesomies totalmente humanizadas. En esta obra se reflejan las enseñanzas del idealismo platónico, tendencia filosófica que se conreava en aquel tiempo en Atenas.

La estatua del dios Hermes recibe un punto de apoyo lateral en una soca de árbol, enginyosament dissimulada por una túnica col.locada elegantemente encima suyo, que contribuye al equilibrio de la figura, artifici técnico que una obra original de bronce haría innecesario.

Aspectos iconográficos

El programa iconográfico es extraído de la mitología griega, concretamente de la teogonia olímpica. Hermes (Mercurio, dios del comercio en el Panteón romano), hijo de Zeus y Maia, mensajero de los dioses al servicio personal de su padre Zeus y al de los dioses infernales, Hades y Prosèrpina, acull en sus brazos Dioniso, el dios de la viña, del vino y del deliri místico. Dioniso, «nat dues veces», según la leyenda, fue confiado a Hermes, tement una terrible venganza por parte de la diosa Hera, esposa enganyada de Zeus, encargó su crianza a los reyes de Orcòmenos, Atamant e Ino. Hermes lleva Dioniso a la mansión de las nimfes encargadas de su crianza. En una pausa del camino, Hermes presenta un gotim de raïm al niño, futuro dios de

Laocoonte y sus hijos

• Cronología: Siglo III-II a.C. El grupo escultórico de Laocoont y sus hijos fue encontrado el año 1507 entre las restas de la Domus Àurea en Roma. En función de diversos estudios se ha considerado que la copia romana en mármol pertenece al siglo I d.C.

Contexto histórico

La muerte sobtada de Alexandre el año 323 a.C. va fragmentar el imperio macedonio en diversos reinos, y la cultura griega se trasladó hacia Oriente, donde van prosperar nuevas ciudades, como Pèrgam o Alexandria. Malgrat la decadencia política, la sòlida cultura griega va servir de referencia a los reinos orientales, que van reflejar esta hel·lenitzación en sus creaciones artísticas.

El grupo del Laocoont parece que se produjo en la isla de Rodes que se independizó de Pèrsia en tiempos de Alexandre y que no solo consiguió defender su libertad sino que formará un pequeño imperio que abrazará parte de la costa de Asia Menor. En esta época de riqueza y esplendor se desarrolla una brillante escuela de escultura, de la cual el grupo escultórico atribuido a Agesandre y sus dos hijos Polidor y Atenodor, n’és un máximo exponente.

Estilo

La obra pertenece al estilo griego del período helenístico (siglos III a.C. –I a.C.).

Características

El estilo helenístico tiene su máxima visualización en la escultura. Entre sus características destaca la dinamización de las composiciones trencando los cánones de serenidad y equilibrio clásicos. Se busca la máxima expressivitat en los rostros de los personajes, mostrando sentimientos de sufrimiento y pasión [pathos]. Van proliferar los grupos escultóricos y van surgir el retrato y los temas anecdóticos, dues temáticas en que el idealismo deja pas al gust pel realismo.

La obra se estructura en la pirámide que dibujan los caps de los tres personajes de tal manera que el del Laocoont coincide con el vèrtex superior. También ’observa en la composición una diagonal que creua todo el grupo baixando desde la parte superior izquierda. Las diagonales donan unidad a la acción de los tres personajes y alhora manifiestan el dinamismo de la composición. Este movimiento se ve reforzado por la situación de las dues serps que sirven de nexo de unión entre las tres figuras y por la sensación de tensión extrema de los cossos que malden por alliberar-se’n.

Estos, con la musculatura muy trabajada y bien definida- sobre todo la figura central- expressen la perfección anatómica heretada del período clásico. Esta obsessión porta los autors a representar las figuras de los infants con un cos musculat de persona adulta, pero los donan unas proporciones más reduïdes. No obstant eso, este idealismo formal lluny de la representación más realista se conjuga con la gran capacidad de representación de las emociones humanas que trenca los cánones de serenidad y equilibrio. L’expressivitat del grupo se manifiesta en la facilidad para copsar el patiment humano (“pathos”) de los personajes, reflectit en los rostros, especialmente en l’expressión del dolor del sacerdot con el front arrugat y la boca abierta.

Técnicas y materiales

Este grupo fue realizar en bronce probablemente con la técnica de la cera perduda todo y que se conserva la copia romana que es una talla en mármol. D’ entre las tipologías escultóricas cal destacar los relleus – utilizados en la decoración de frisos y timpans en temples y altares- y las esculturas exemptes, de las cuales este grupo n’és una muestra todo y que acusa una cierta frontalidad. El tema central es la figura humana y como todas las obras griegas era policromada.

Temática, significado y función

El tema del Laocoont es literario y alhora mitològic. Según el mito de la guerra de Troia (en referim, por lo tanto, a La I·líada d’Homer) el sacerdot troià Laocoont va advertir los suyos conciutadans que no se fiessin del cavall de fusta ( que era ple de soldados griegos ) ofert por los griegos al déu Posidó en una supuesta retirada. De seguida, dues serps enormes van salir del mar y el van matar juntamente con sus dos hijos. Los troians lo van interpretar como un castigo diví y van entrar el cavall a la ciudad, tal como Sinó, un espia griego, los había sugerido diciendo que era un regalo de la deessa Atena y, que si no l’acceptaven, Troia sería destruïda. Sobre el motivo de la muerte de Laocoont hay dues versiones diferentes. Según la mitología griega, Laocoont era un sacerdot d’Apol·lo, y suyo castigo na va tener cap relación con la guerra, sino que va pasar porque se va casar en contra de las órdenes del déu.

Pero a la versión recollida a l’Eneida por el poeta romà Virgili, va ser Atena la qui, partidària de la victoria griega, va enviar las serps para convèncer los troians de la veracitat de la historia que los explica Sinó. En todos los casos, los escultors interpreten del tema, el momento en que las serps ataquen el sacerdot Laocoont y sus hijos y estos lluiten desesperadament para desfer-se’n. El grupo escultórico va ser trobar el 1506 entre las ruïnes del Palau de Neró a Roma y en suyo momento parece que l’artista del Renaixement, Miquel Àngel, hi era presente acompanyant l’arquitecte de papa Juli II, Giuliano da Sangallo. La impresión que los va causar va ser extraordinaria hasta el punto que l’artista florentí hi va saber veure la “terribilità” que él mismo traslladarà a sus esculturas.

Función

Parece, por lo tanto, que la obra de l’escola de Rodes ya estaba destinada a Roma, pensada para decorar casas importantes, en este caso, el palau de l’emperador. L’atribució y la datación, después de la troballa al siglo XVI, no se van producir hasta el 1957 cuando un grupo d’estudiosos varen poder atribuir l’autoria de esta obra a los escultors esmentats de l’escola de Rodes (Agesandre y sus hijos) gracias al descubrimiento de diversos grupos de figuras de mármol que representaban esdeveniments de l’Odissea d’Homer en una cova que había sido la sala de banquets d’estiu de l’emperador Tiberi a Sperlonga, prop de Nàpols. Los nombres de estos tres escultors estaban gravats en uno de los grupos, l’estil del cual es muy semblant al del Laocoont. A partir de dades fidedignes, estas copias romanas en mármol trobades a Sperlonga se han datat al siglo I dC, que es también la data atribuïda al Laocoont de manera unánime por los arqueólogos. Actualmente el grupo escultórico se encuentra al Musei Vaticani a Roma.

Kouros de Anavyssos y Kore del peplum

• Título: Kouros de Anavyssos y Kore del peplum
• Autor: Anónimo
• Cronología: s. VI a.C.
• Estilo: Griego arcaico
• Localización: Atenas (Grecia)

Análisis formal

Descripción, Composición, Superficies, Dinamismo, Expresividad y Tratamiento de los motivos.

Interpretación

Temática y significado

El Kouros de Anavyssos representa un atleta ganador de unos Juegos Olímpicos y la Kore del peplum una sacerdotisa.

Durante la Grecia arcaica se esculpió muchas figuras masculinas, como el Kouros y femeninas como la Kore. Las figuras masculinas podían representar dioses, esculturas funerarias de un personaje importante o un atleta olímpico ganador, como es este caso. Las figuras femeninas representan doncellas sacerdotisas de un templo, que podían llevar alguna fruta, animal o cántaro como ofrenda a los dioses. Todas se han encontrado en santuarios o tumbas.

Características del estilo

Se trata de un arte racional: simétrico, geométrico, que sigue unas normas establecidas.

Un arte humanizado, ya que siempre representa un ser humano que intenta ser cada vez más realista y natural.

Un arte estético que busca un ideal de belleza, estableciendo cánones para perfeccionar los modelos. Se basa en la armonía, la proporción, el equilibrio de las partes del cuerpo humano, cada vez más perfeccionado.

Un arte sagrado, ya que siempre se representan personajes religiosos: dioses, héroes, sacerdotisas ...

Consideraciones sobre el autor, modelos e influencias

Se desconocen los autores. Todos tenían influencias de las estatuas egipcias por su rigidez, frontalidad, hieratismo y geometría de las formas. Las estatuas arcaicas irán evolucionando hacia formas más naturales y darán paso a las esculturas clásicas.

Funciones

La función útil es funeraria y religiosa, ya que podían representar dioses, sacerdotisas o bien formar parte del ajuar funerario o ser una ofrenda de un templo.

La función simbólica era conmemorativa, para recordar al atleta ganador oa una persona en su tumba.

Discóbolo

• Título: Discóbolo
• Autor: Mirón
• Cronología: s. V a.C.
• Estilo: Griego Clásico.
• Localización: Museo Nacional Romano (Roma)

Interpretación

Tema y significado

Representa un joven atleta en su máxima plenitud física, el atleta ideal de la época en actitud de lanzar el disco. Todos sus músculos están en tensión, el torso y la cara girada para aprovechar la fuerza en un momento de máxima concentración.

Todas las esculturas de atletas lanzadores de disco anteriores siempre se representaban derechas, en el primer tiempo de la acción, balanceando el disco. Mirón se quiso arriesgar representando el segundo tiempo de la acción, cuando además de balancear el disco el atleta hace una vuelta girando sobre sí mismo antes de lanzarlo. Así Mirón tiene la posibilidad de representar el movimiento en posiciones violentas. En cambio la escultura con el rostro idealizado no expresa ninguna emoción.

Características del Estilo

Pertenece a los inicios de la época clásica que se caracteriza por ser un arte racional (cañones, proporciones, armonía, equilibrio), estético (busca el ideal de belleza del cuerpo), humanizado (representación del cuerpo humano realista) y sagrado (representa divinidades, héroes).

Aunque muestra algunos rasgos de la época arcaica como la rigidez del cuerpo, musculatura marcada y esquemática, cabellos poco trabajados, cabeza inmóvil, hieratismo y sonrisa típico.

Autor, Modelos e influencias

Mirón fue uno de los escultores más importantes de Atenas en la época de Pericles por el que trabajó (V aC) esculpido en bronce, pero sólo conocemos las copias romanas en mármol. Es el artista del realismo y el movimiento, en cambio no sabía plasmar emociones en sus esculturas.

Recibió influencias de las esculturas arcaicas, del arte egipcio y de las pinturas de atletas en los vasos de cerámica. Mirón fue innovador en dotar de dinamismo a las figuras, crear tensión muscular y un espacio circundante a la figura. Influirá sobre la posterior escultura griega, romana, renacentista y neoclásica.

Funciones

La función útil es decorativa y religiosa, destinada a ser expuesta en un lugar público de la ciudad y honrar el nuevo héroe ganador de una prueba olímpica.

La función simbólica es conmemorativa, para recordar al atleta ganador.

Doríforo

• Título: Doríforo
• Autor: Policleto el Viejo
• Cronología: S. V a.C.
• Estilo: Griego clásico
• Tipología: Escultura exenta
• Material: Bronce (copia de mármol)
• Técnica: Fundición a la cera perdida (copia: talla)
• Localización: Museo arqueológico Nacional de Nápoles.

Interpretación

Tema y Significado

El Doríforo es la imagen idealizada de un joven atleta que camina con la lanza apoyada en el hombro. Policleto el Viejo escribió un Tratado artístico llamado: "Canon" donde señalaba un conjunto de reglas elaboradas a partir de cálculos matemáticos para lograr la representación perfecta del cuerpo humano, como por ejemplo que la altura del cuerpo debía ser la séptima parte del cuerpo (canon de proporcionalidad), el contrapposto o la cabeza dividido en tres partes iguales. Policleto consideró que esta estatua del Dorífer era la representación fiel de su canon, ya que cumplía las proporciones ideales del cuerpo humano y por lo tanto representaba el ideal de belleza y serviría de ejemplo a todas las esculturas posteriores.

El original del Dorífer hecho en bronce no se ha conservado y si se conoce esta obra es gracias a varias copias de mármol romanas.

Características del estilo

El arte griego clásico se caracteriza por la racionalidad: que busca la armonía, el equilibrio, la proporción, serenidad. Un arte humanizado basado en proporciones humanas, hombre joven adulto. Un arte estético que busca plasmar el ideal de belleza griego, estableciendo cánones. Y es un arte Sagrado que representaba divinidades y héroes.

Funciones

La función útil era decorativa y didáctica ya que debía servir de canon o modelo para otras esculturas. La función simbólica es estética ya que representaba un modelo ideal de belleza física y con cualidades morales a imitar por la aristocracia griega del momento.

Autor, modelos e influencias

Los mismos que el Diadúmeno de Policleto.

Contexto histórico

El de la época clásica (s. V a.C.).