Explorando la Música Barroca: Zarabanda, Invención, Corte Francesa y J.S. Bach

La Zarabanda: Danza Barroca de Origen Hispánico

La zarabanda es una danza lenta barroca desarrollada durante los siglos XVI y XVII. Escrita en un compás ternario, se distingue porque el segundo y tercer tiempo van a menudo ligados, dando un ritmo distintivo de negra y blanca alternados. Las blancas corresponden a los pasos arrastrados en el baile.

El origen de la zarabanda no se puede especificar con exactitud; sin embargo, hay testimonios que sitúan la danza en los territorios hispánicos y las colonias de América. Tenía similitudes con la chacona.

La zarabanda llegó a Italia, manteniendo su carácter popular y con una forma compositiva reservada a instrumentos solistas como la guitarra barroca o el violín. Francia adoptó la zarabanda, la desvinculó de sus raíces como danza popular y la elevó a la categoría de danza cortesana. Se convirtió en uno de los movimientos imprescindibles de las suites de danza, además de incluirse en piezas para solista. Este modelo se difundió por toda Europa, aunque en España fue reemplazada por la chacona.

La Invención: Forma Contrapuntística

Se denomina invención a un tipo de composición instrumental de forma relativamente libre, característica del Barroco. La invención tiene su raíz en las improvisaciones que efectuaban principalmente los organistas dentro de la liturgia religiosa.

Una diferencia clave con la fuga es que, en la invención, la respuesta imitativa suele encontrarse a la octava, en lugar de a la quinta.

J. S. Bach denominó 'invención' a una colección de breves composiciones a dos voces: las 15 Invenciones a dos voces (BWV 772-786). También compuso 15 piezas similares a tres voces, pero en este caso utilizó el término 'Sinfonías' (15 Sinfonías a tres voces, BWV 787-801). El estilo es eminentemente contrapuntístico, donde las voces se imitan unas a otras, utilizando diversos mecanismos propios del contrapunto.

La Música en la Corte de Luis XIV: La Musique du Roi

La organización musical en la corte del Rey Sol se dividía en varias secciones:

• La Grande Écurie: Compuesta por instrumentos de viento y percusión, similar a una banda moderna. Se utilizaba principalmente para acontecimientos al aire libre, cacerías, viajes, espectáculos y actos militares. Las trompetas tenían un papel protagonista.
• La Musique de la Chambre: Música interpretada dentro de Palacio. Consistía en una orquesta de cuerda (los Vingt-quatre Violons du Roi o '24 Violines del Rey'), a veces reforzada por instrumentos de viento madera como oboes o flautas. La mezcla de cuerda y maderas creaba un timbre característico de la música francesa.
• La Musique de la Chapelle Royale: Destinada a los servicios religiosos en la capilla real. Contaba con coro, solistas y orquesta (generalmente no más de 30 músicos en total).

Jean-Baptiste Lully, como superintendente de la música de Luis XIV, tuvo un papel crucial. Solicitó al rey crear su propia formación de cuerda, la Petite Bande (compuesta por músicos selectos), porque consideraba que la Grande Bande (los 24 Violines) no siempre sonaba con la precisión deseada. Lully dirigió la Petite Bande para perfeccionar su sonido y disciplina. Ambas formaciones tenían un número similar de músicos. La Musique de la Chambre es considerada un antecesor directo de la orquesta sinfónica moderna.

Estilos Nacionales: Italia vs. Francia

Durante el Barroco, se percibían diferencias notables entre los estilos musicales italiano y francés:

• Italia: Considerada la cuna de la melodía. Su estilo se caracterizaba por ser extrovertido, extravagante, emocionalmente directo y virtuoso. Se daba más espacio a la improvisación y al uso expresivo de melismas (varias notas sobre una sílaba) para embellecer las líneas vocales e instrumentales.
• Francia: Destacaba por la armonía, la textura y la claridad formal. El estilo francés enfatizaba el bon goût (buen gusto), el refinamiento, la elegancia y el seguimiento de reglas precisas. Los compositores franceses tendían a escribir detalladamente las ornamentaciones (agréments) y favorecían una declamación silábica en la música vocal para asegurar la comprensión del texto.

Esta diferencia se observa incluso desde periodos anteriores como el Ars Subtilior: en Francia, frases como 'je t'aime mon amour' se musicalizaban de forma predominantemente silábica, mientras que en Italia, una palabra como 'amore' podía extenderse con un gran y expresivo melisma.

Apuntes Biográficos y Obra de J.S. Bach

Cronología Esencial

• 1685: Nace en Eisenach, Turingia (Alemania).
• 1700-1702: Estudia composición y órgano en Lüneburg.
• 1703-1707: Organista en Arnstadt.
• 1707-1708: Organista en la iglesia de San Blas, Mühlhausen.
• 1708-1717: Músico de cámara y organista en la corte ducal de Weimar.
• 1717-1723: Maestro de capilla (Kapellmeister) en la corte del príncipe Leopoldo de Anhalt-Köthen.
• 1721: Contrae segundas nupcias con Anna Magdalena Wilcke.
• 1723-1750: Se traslada a Leipzig como Thomaskantor (director musical de la iglesia de Santo Tomás y director de música de la ciudad), donde permanecería el resto de su vida.
• 1750: Muere el 28 de julio en Leipzig, tras una fallida operación ocular.

La Etapa de Leipzig y Obras Destacadas

Durante su extenso periodo en Leipzig, Bach compuso la mayor parte de su música vocal sacra, incluyendo alrededor de 300 cantatas (de las cuales se conservan unas 200). La estructura típica de sus cantatas sacras incluía: secciones de coro y orquesta, recitativos y arias para voces solistas con acompañamiento instrumental, y a menudo un coral final basado en un himno luterano. La música está siempre íntimamente ligada al texto litúrgico o devocional.

Obras destacadas compuestas o completadas durante su periodo en Leipzig incluyen:

• Las Pasiones: Pasión según San Juan (BWV 245) y Pasión según San Mateo (BWV 244).
• El Oratorio de Navidad (BWV 248).
• El Oratorio de Ascensión (BWV 11).
• La Misa en si menor (BWV 232).
• Las Variaciones Goldberg (BWV 988).
• La segunda parte de El clave bien temperado (BWV 870-893).

Legado Pedagógico y Contrapuntístico

Bach también compuso importantes colecciones con fines didácticos, en parte para la instrucción musical de sus hijos y su esposa Anna Magdalena. Ejemplos notables son El clave bien temperado (Libros I y II), las Invenciones y Sinfonías, y el Orgelbüchlein (Pequeño libro para órgano, BWV 599-644).

Demostró su incomparable maestría contrapuntística a lo largo de toda su obra, culminando en trabajos teóricos y prácticos como El clave bien temperado y la monumental e inacabada obra El arte de la fuga (BWV 1080).