Explorando las Vanguardias Artísticas del Siglo XX: Fauvismo, Expresionismo, Cubismo, Surrealismo y Abstracción

Contexto de las Vanguardias Artísticas del Siglo XX

A comienzos del siglo XX, se asiste a un proceso de desintegración en múltiples corrientes en el panorama artístico, conviviendo corrientes incluso antagónicas. El Impresionismo fue el último de los grandes estilos unitarios. Los movimientos artísticos de la primera mitad del siglo XX arrancaron de la idea que nutría al Impresionismo: la búsqueda de nuevos medios expresivos y de nuevos temas y lenguajes. Paralelamente al proceso anterior, y en correspondencia con los acontecimientos políticos, el Arte adquiere un carácter universal, que se extiende a toda la sociedad, produciéndose la democratización del Arte. El conjunto de tendencias artísticas que surgen en la primera mitad del siglo XX se conoce como vanguardias, que buscaban la apertura de nuevos caminos expresivos y la libertad del artista, oponiéndose a las pautas y tendencias precedentes.

El Fauvismo y la Exaltación del Color

La Raya Verde de Matisse (1905)

El Fauvismo es un movimiento efímero que solo afecta a la pintura y se caracteriza por:

• Color estridente no real.
• Búsqueda de la exaltación extrema del color, heredero de Gauguin y Van Gogh.
• Dibujo realzado con una línea de color.
• Ritmo curvilíneo al que se ajustan las pinceladas.
• Color como forma de expresión.
• Color plano sin degradación.
• Espacio organizado a base de planos de color; solo importa la forma y el color.

En este cuadro, Matisse consigue la exaltación de los colores empleando el rojo y las tonalidades anaranjadas, enfrentándolas al verde en la parte central del rostro y en el fondo. Los colores no se corresponden con la realidad. Las colores intensas están distribuidas en áreas planas, sobre todo en el fondo y en el rostro, con pinceladas sueltas pero siempre con un ritmo y un orden. En la obra aparece solo lo esencial; la raya verde en el rostro sirve de separación entre zonas claras y zonas oscuras, empleando colores fríos y colores cálidos. El objetivo es que el cuadro transmita sencillez y tranquilidad.

El Expresionismo y la Angustia Humana

El Grito de Munch (Siglo XX)

El Expresionismo lleva a que los pintores se vuelquen por el color. Nace a partir del grupo Die Brücke. Sus características son:

• Preocupación por el color.
• Color como fuente de expresión.
• Color no real.
• Subjetividad.
• Carácter popular y artesano.
• Tendencia a la bidimensionalidad.
• Plasmar la impresión del artista.

Destaca la escuela Alemana representada por autores como Munch y Nolde, caracterizada por la pintura de trazo rigoroso, utilización del color y el dibujo para transmitir la mensaje de temática pesimista. Munch es el autor más representativo de este movimiento, que transmite angustia y desesperación. Todas las pinceladas son envolventes, algo alongadas y arremolinadas, como si todo el grito afectase a toda la obra. Destaca el uso de colores irreales, azules y negro, que cada vez resaltan más el sufrimiento, destacando el uso de naranjas y rojos en el cielo. Pretende, con la boca abierta, transmitir sufrimiento y soledad.

El Cubismo y la Descomposición de la Forma

La Vida de Picasso (1888-1973) - 1903

Coincide con el primer período, iniciando su vida artística, etapa claramente figurativa, con una temática centrada en la realidad social. En general, dominan las formas angulosas, por influencia de las artes de los pueblos africanos, y la tendencia al alongamiento y deformación de las figuras, que se delimitan con una línea gruesa. En función del cromatismo, hay dos fases: etapa azul y rosa. En la azul, los personajes son mendigos maltratados, con un uso excesivo de azules. Esta obra está preparada anteriormente con muchos bosquejos; todo está previamente calculado. Las escenas más pequeñas se corresponden con un segundo plano que se diferencian de las que están de pie. Las figuras no se relacionan; quiere ilustrar las cuatro formas de existencia. Representan la muerte de Casagemas, que se había suicidado por amor.

Las Señoritas de Avignon (Picasso, 1907)

Segundo período (1906-1925), etapa cubista. A pesar de las innovaciones artísticas que sucedieron a partir del Impresionismo, el arte nunca deja de tomar como punto de referencia la realidad circundante. Solo con la aparición del Cubismo se deja de interpretar la naturaleza. El Cubismo es la más revolucionaria forma de representación desde el Renacimiento, que abandona un único punto de vista y busca la multiplicidad, representando objetos y figuras en la misma pintura. Intentan que el propio espectador sea partícipe en la imagen. Los motivos son formas geométricas y no se admite algo que no requiera regla o compás. Se busca la bidimensionalidad de la superficie pictórica y de lo representado en ella, con ausencia de profundidad espacial. Mayoritariamente se utiliza la monocromía. De temática, el bodegón y el retrato. Tenemos cubismo sintético y analítico. En la obra, los copos tienen un modelado contundente, deforman los cuerpos y los fusionan con el fondo. En esta obra representa unas prostitutas en un burdel de Barcelona, representando así varios puntos de vista, fundiendo elementos representados de frente con otros de perfil. Esta es cubismo analítico.

La Moza de la Mandolina (Cubismo Analítico, Picasso)

El número de planos y puntos de vista se multiplican. Se retrata una mujer desnuda con una mandolina. Su estancia en Italia, donde se distancia del Cubismo, como podemos apreciar en la obra Tres mujeres en una fuente. Los personajes de gran tamaño dan impresión de esculturas, son monumentales a pesar de la sencillez y normalidad. Recupera la forma y el volumen, pero se mantiene la gama cromática reducida. En esta misma línea, Pablo vestido de Arlequín (1923) retrata a su hijo a caballo, un retrato entre cubismo y clasicismo. En la etapa que desarrolla la infancia y la maternidad, consigue que nos centremos en los rostros y sorprende por el dominio del dibujo. Se distancia del cubismo, recupera la forma y el volumen, pero el tratamiento de los rombos de las ropas nos lleva a la geometrización del cubismo. Los 3 músicos (1921), ejemplo de cubismo sintético. Descompone la figura en formas geométricas planas, uso de colores planos, gama más variada y bidimensionalidad. Representa 3 personajes de la comedia dell’arte italiana: un pierrot, un arlequín y un monje que están tocando instrumentos musicales constantes del cubismo, y los representa con manos pequeñas debido al dicho de su padre de que en las manos es donde se conoce al artista.

Guernica (1925)

3º período marcado por la influencia del surrealismo y expresionismo, temática marcada por la influencia de acontecimientos históricos, especialmente la Guerra Civil Española. Es una obra de gran tamaño denunciando los bombardeos de la aviación alemana en un pueblo vasco. Tiene carga expresionista, simbolista, con ausencia de color, usando blanco, gris, negro y algún azul. Se deforman dramáticamente los cuerpos; los rostros y cuerpos fragmentados. Se crea una pirámide luminosa central y dos ejes verticales a los lados, espacio casi plano y figuras planas, exceptuando el caballo central. También se puede apreciar la influencia del grabado. Funde cubismos, surrealismo y expresionismo.

Meninas (1957)

Último período. Dada su genialidad, todo lo que quería podía conseguirlo. Pintando después de la muerte de Matisse, Picasso se siente libre para representar sin prejuicios ni celos la influencia de su rival, el gusto por lo vivo y por el colorido y de carácter ornamental, esas palmeras y árboles frutales que transmiten vida y felicidad. Muchas de sus últimas pinturas están basadas en obras de grandes maestros, y el ejemplo de esta de Velázquez, en las que aplica una reflexión sobre sí mismo y la historia del arte y las vanguardias, recordando que puede romper con la tradición y comenzar de 0. Picasso, liberado por el dogma de perspectiva lineal, sitúa aún más al pintor en primer plano. Los rostros a trazos, los bosquejos y el esbozo en la mitad derecha del cuadro son características de la última etapa.

La Abstracción y la Ruptura con la Realidad

Pintura con 3 Manchas de Kandinsky

Él fue el máximo representante en la abstracción, que se entendía como la desaparición de los elementos figurativos, que surgió después de la guerra mundial, suponiendo el último pase hacia la destrucción formal. Esta obra de arte rompe la relación con la realidad; ya no hay temática. Se trata de una obra con manchas y formas que no se relacionan con la realidad. Es el culmen del ensimismamiento del arte iniciado en el XIX, el triunfo del arte por el arte. El autor, en sus primeras obras abstractas, emplea una técnica próxima al automatismo, a base de impulsos caligráficos de trazos lineales y de manchas de colores, experimenta un acercamiento a la abstracción geométrica y el constructivismo.

Tabla nº 1 de Mondrian

Creador del llamado Neoplasticismo, visión personal del cubismo sintético caracterizado por la creación de tramas de líneas ortogonales que enmarcan rectángulos de colores primarias planas.

• Cuadrados y rectángulos de diversas medidas acogen masas de colores primarias separadas por líneas gruesas y negras.
• Economía de colores y formas geométricas simples.
• No toma el objeto como punto de partida; no hay un elemento central que cobre protagonismo.
• Las líneas negras se utilizan para aislar los colores. Los elementos usados por el pintor guardan relación con la matemática y la armonía musical.
• Pintura no sentimental, no subjetiva, independiente de algo cultural, geográfico o político.

El Dadaísmo y la Provocación Artística

La Fuente de Duchamp

El Dadaísmo esencialmente pretende buscar la belleza de los elementos cotidianos, descontextualizarlos y darles valor artístico, rompiendo con el arte tradicional. Es como una rebelión contra las normas y ruptura del arte realizado hasta el momento. La fuente es un urinario descontextualizado y convertido en arte. Este autor, con sus ready mades, se adentró en un arte de las ideas, anticipando así el arte conceptual. El ready-made es un objeto de uso común que, con una mínima intervención del artista, lo convierten en obra de arte.

El Surrealismo y el Mundo de los Sueños

La Persistencia de la Memoria de Dalí

El Surrealismo nace en la segunda década del siglo XX, algo posterior al de las vanguardias, en un momento en que los artistas plásticos se alinearon en dos concepciones diferentes: la abstracción y el surrealismo. Al igual que muchas vanguardias, este movimiento tiene una base retórica representada por André Bretón, desarrollando las dos tendencias: la que plasmaba el mundo subconsciente de forma figurada, representada por Dalí, y la forma abstracta, representada por Miró.

El surrealismo figurativo utiliza una técnica depuradísima, representando formas reales pero con diferentes significados. Busca la provocación y sentimientos ambivalentes. Muchas veces va a obras de pintores anteriores y reinterpreta; otras veces pinta su propia visión, asociando de forma insólita a personas y objetos, llegando a lo monstruoso. Esta obra casi tiene calidad fotográfica, de ejecución minuciosa y brillante, potenciado por la luz. Es una paisaje onírica que podría ser una playa al anochecer, el cabo Creus, despegando una serie de figuras extrañas: una cabeza con enormes pestañas, nariz y lengua que repousan sobre la arena. A la izquierda hay 3 relojes blandos deformados en los que se posan insectos. La luz es muy importante en este cuadro; una luz potente ilumina el fondo mientras que el primer plano se muestra en penumbra. La composición es muy cuidada; la playa y la pola forman 2 líneas horizontales, y las diagonales de la mesa y la cabeza rompen con esa horizontalidad y crean profundidad. Se recupera la tridimensionalidad, usa la perspectiva tradicional creando un espacio irreal con un punto de vista alto. El color es rico y variado, con un papel importante de colores frías: azules, grises, blancos. Con esto pretende representar la putrefacción y la muerte, pero también la idea de permanencia. Por otra banda, el mundo imaginario de Dalí, la contraposición de lo duro y de lo blando, está espacio y tiempo con la teoría de relatividad de Einstein.

El Arte Después de las Vanguardias

Contexto

Después de las vanguardias, las artes plásticas continuaron su camino de ruptura y de búsqueda de nuevas formas de expresión. París pierde relevancia en beneficio de NY. Algunos críticos definieron este período como de arte de posvanguardia para referirse a una realidad muy compleja que abarca estéticas y materiales muy diversos en lo que todo vale. Se introducen nuevos soportes materiales como veludo, pieles, sacos, anacos de pratos, la, madera, partes de máquinas. Cada autor busca una diferente forma de ponerse en contacto con el espectador. Aún así, existen autores que siguen fieles a las vanguardias.

Number 1 de Pollock (1950)

Expresionismo abstracto. Los lienzos se llenan con hilos cromáticos de gotear o soltar colores sobre lienzos, conocida como técnica dripping, administración de la pintura desde el tubo. Para él, lo más importante no era la obra acabada sino el proceso creativo que desencadenaba. Prescinde de los puntos de fuga, llena toda la superficie, gran variedad de líneas con trazos enérgicos.