Historia y Técnicas de la Animación: Un Recorrido Completo

Los 12 principios de la animación, como Squash and Stretch, dan flexibilidad y realismo a los objetos al deformarse sin perder volumen. La Anticipación prepara al espectador para una acción próxima. El Staging (puesta en escena) enfatiza la claridad visual y el foco de atención. Straight Ahead Action y Pose to Pose son dos enfoques de animación: uno espontáneo y otro planificado con poses clave. Follow Through y Overlapping Action aseguran que las partes del cuerpo o elementos sueltos continúen moviéndose tras una acción principal. Slow In y Slow Out suavizan la aceleración y desaceleración de los movimientos. Los Arcs refuerzan el realismo al seguir trayectorias curvas en lugar de movimientos rectos. La Secondary Action complementa la acción principal con movimientos adicionales que enriquecen la escena. El Timing controla la velocidad y ritmo del movimiento, transmitiendo peso y emoción. La Exaggeration amplifica expresiones y gestos para dar mayor impacto. El Solid Drawing garantiza que los dibujos tengan volumen y credibilidad tridimensional. El Appeal dota a los personajes de carisma y atractivo visual, haciendo que sean memorables para el público.

Orígenes de la Animación

Siglo XIX: Los Primeros Pasos

El siglo XIX fue una época de grandes cambios políticos, económicos y sociales que influyeron en el desarrollo de la animación. En Europa, hubo decadencia de las monarquías, mientras que en España se vivieron las guerras carlistas. La Revolución Industrial transformó la sociedad con la aparición del ferrocarril y el telégrafo. A nivel social, surgieron nuevas clases sociales y la burguesía, que buscaba formas de entretenimiento, impulsó el desarrollo del teatro y la magia, bases de la animación.

Roget investigó el funcionamiento de la óptica y la ilusión del movimiento, sentando las bases para el zoótropo, que permitía observar imágenes en movimiento a través de cortes en un tambor giratorio. Georges Méliès, ilusionista y cineasta, revolucionó el cine con efectos especiales y el teatro óptico en 1892. Émile Reynaud inventó el praxinoscopio (1877), mejorando el zoótropo mediante espejos que permitían una imagen más clara y estable. Otros dispositivos de la época fueron el taumatropo y otros juegos ópticos.

Siglo XX: El Nacimiento del Cine Animado

Con la aparición del cine, los animadores tuvieron que adaptarse al nuevo formato, utilizando técnicas como la toma sucesiva de imágenes fijas con la manivela para generar movimiento. En esta etapa inicial, la animación carecía de narrativa, metodología o timing estructurado. Se trabajaba con equipos pequeños, en blanco y negro, y mezclando imágenes reales con animación.

Pioneros de la Animación:

• Georges Méliès (Le Voyage dans la Lune, 1902)
• James Stuart Blackton (Funny Faces, 1906)
• Segundo de Chomón (The Electric Hotel, 1908)
• Émile Cohl (Fantasmagories, 1908)
• Winsor McCay (Gertie the Dinosaur, 1914; The Sinking of the Lusitania, 1918)
• Ladislaw Starewicz, pionero del stop motion (La Venganza del Camarógrafo, 1911)

Años 20: El Precartoon y la Estandarización

En esta década surgió el primer estilo de animación estandarizado, el Precartoon. Hasta entonces, cada artista trabajaba con su propio estilo. En Nueva York hubo un boom del diseño, destacando el uso de gags, el cómic y el merchandising. Se priorizaba la producción en grandes cantidades, lo que resultaba en baja calidad, ya que no existía una educación formal en animación ni técnicas estandarizadas.

La Edad de Oro de la Animación

La Edad de Oro de la Animación comenzó en 1928 con el estreno de Steamboat Willie, la primera animación con sonido sincronizado, protagonizada por Mickey Mouse y creada por Walt Disney. Durante esta época, la animación evolucionó con nuevas metodologías, narrativa más elaborada y la aparición de personajes icónicos.

Innovaciones y Cambios:

Se perdía algo de libertad creativa, pero se ganaba en eficiencia y calidad. Se desarrolló el concepto de los dibujos animados como actores, con personalidades definidas y expresivas. El merchandising se convirtió en una parte importante de la industria. Se estableció el storytelling cinematográfico en la animación. Se popularizó la técnica Pose to Pose, garantizando mejor control del movimiento.

En este período, Disney Studios lideró la industria con innovaciones técnicas como la Cel Animation, que permitió crear animaciones más detalladas y fluidas. A través de la serie Silly Symphonies (1929-1939), Disney experimentó con la combinación de música y animación, perfeccionando su estilo. En 1937, lanzó Blancanieves y los Siete Enanitos, el primer largometraje animado en color y un hito en la historia de la animación.

Por otro lado, Warner Bros se estableció como un fuerte competidor con las series Looney Tunes (1930) y Merrie Melodies. A diferencia de Disney, Warner apostó por un humor más rápido y exagerado, introduciendo personajes como Bugs Bunny (1940), Porky Pig (1935), el Pato Lucas y el Coyote y el Correcaminos. Tex Avery y Chuck Jones fueron fundamentales en el desarrollo de este estilo, rompiendo con el realismo de Disney y llevando la animación a niveles de exageración cómica nunca antes vistos.

Tras la Segunda Guerra Mundial, los estudios de animación comenzaron a cerrar debido a problemas económicos. Disney y Warner fueron los únicos que lograron mantenerse, mientras que la televisión emergió como un nuevo medio para la animación. La era de los cortometrajes en cines dio paso a las series animadas para TV, marcando el fin de esta etapa.

La Animación de Posguerra

UPA: Un Nuevo Estilo

UPA, fundada tras la huelga de Disney en 1941, fue un estudio pionero que se centró en la animación estilizada y moderna, abandonando el realismo en favor de formas simplificadas y abstractas, y creando personajes como Mr. Magoo y Gerald McBoing-Boing.

Hanna-Barbera: Animación para Televisión

Hanna-Barbera fue fundada en 1957 por William Hanna y Joseph Barbera, quienes habían trabajado previamente en MGM Cartoon Studio, donde crearon la famosa serie Tom y Jerry. Al principio, Hanna y Barbera producían animaciones altamente detalladas y realistas. Sin embargo, con el cierre del departamento de animación de MGM en 1957, decidieron formar su propio estudio, revolucionando la industria al introducir un enfoque más económico y funcional para la animación. Su estilo se caracterizó por la repetición de segmentos, personajes similares y la reutilización de recursos, lo que les permitió producir contenido de forma más rápida y asequible. Entre sus creaciones más icónicas se encuentran Los Picapiedra, Scooby-Doo, El Oso Yogi y Pixi y Dixi, destacándose por sus personajes antropomórficos y tramas simples pero efectivas. Durante los años 90, el estudio pasó a formar parte de Warner Bros, consolidándose como una productora más seria en la industria.

La Animación en el Mundo

Animación Japonesa (Anime)

La animación en Japón surgió a principios del siglo XX con influencias del manga y la cinematografía occidental, destacando obras como Katsudō Shashin (1907) y Nakamura Gatana (1917 considerado el primer anime). Osamu Tezuka, considerado el "padre del anime", revolucionó el medio con Astro Boy (1963) y técnicas de animación limitada para reducir costos. Estudios como Toei Animation y Studio Ghibli (fundado por Miyazaki) consolidaron el anime con películas como Mi vecino Totoro (1988) y La princesa Mononoke (1997), estableciendo su identidad visual con ojos grandes, expresividad exagerada y narrativas profundas.

Animación 2D Abstracta

La animación 2D abstracta nació en los años 20 en Alemania, influenciada por el arte abstracto, el expresionismo alemán, el constructivismo y el Bauhaus. Cineastas como Walter Ruttmann, Hans Richter y Oskar Fischinger exploraron la abstracción y la sincronización con la música, creando las primeras películas abstractas. Con el régimen nazi, muchos animadores emigraron a países como EE. UU., Canadá y Reino Unido, expandiendo estas ideas. Artistas como Lotte Reiniger y Mary Ellen Bute continuaron innovando en la animación abstracta, integrando elementos visuales experimentales. En los años 60, Vera Molnar utilizó la animación digital para explorar el azar y la sistematización, siendo clave en el arte digital contemporáneo. La animación abstracta también influenció los videoclips, con técnicas como rotoscopia, stop motion, y animación 2D, como en A-ha - Take On Me o Gorillaz - Humility.

Animación Española

La animación española tiene sus orígenes a finales del siglo XIX con experimentos de cineastas como la animación del retrato en 1899. En los años 20 y 30, artistas como Luis Buñuel y Salvador Dalí, aunque no animadores directos, influyeron en la animación experimental. Destacaron obras como Un Perro Andaluz (1929) y La Edad de Oro (1930).

En los años 40 y 50, tras la Guerra Civil, la animación se usó principalmente como herramienta propagandística bajo el régimen de Franco, destacando estudios como los Estudios Moro con trabajos publicitarios y cortometrajes como Garbancito de la Mancha (1945), con intenciones educativas y adoctrinadoras del régimen de la falange.

Con la muerte de Franco en 1975, la animación en España comenzó a profesionalizarse. Los años 80 y 90 trajeron una mayor inversión, destacando películas como David el Gnomo (1985) y Goya, el secreto de la sombra (1999).

En los últimos años, la animación 2D española ha producido películas relevantes como Chico y Rita (2010), Arrugas (2011) y Buñuel en el laberinto de las tortugas (2019).

Técnicas de Animación

Técnicas de Animación Bidimensional (2D)

• Animación de estudio: Se utiliza mesa de luz y papeles translúcidos para crear imágenes frame por frame.
• Cut out / on cel: Consiste en mover piezas recortadas de personajes y fotografiar sus movimientos.
• Photokiesis: Se usan luces y sombras para crear efectos de movimiento y velocidad.
• Dibujo sobre película o animación directa: Dibujar directamente sobre la película fotograma a fotograma.
• Animación con arena: Dibujar sobre un panel iluminado con arena, utilizada para efectos artísticos.
• Rotoscopia: Grabar a personas reales y dibujar sobre sus movimientos frame por frame.
• Animación digital 2D: Creación de imágenes en movimiento mediante software de ordenador.
• Flipbook: Animación realizada al pasar rápidamente las páginas de un cuaderno con dibujos.

Técnicas de Animación Tridimensional (3D)

• Stop motion: Crear animaciones con personajes físicos, moviéndolos y fotografiando cada cambio.
• Puppet animation: Usar marionetas con estructuras internas para animación.
• Clay animation: Animación con figuras de plastilina.
• Pixilation: Animación que usa personas reales como objetos móviles.
• Animación por ordenador 3D: Crear animaciones con software de modelado y renderizado 3D.

El Proceso de Animación 2D

Pre-producción

El proceso de animación 2D comienza con la pre-producción, que incluye la creación de la idea, el guion literario y técnico, y el diseño de personajes, escenarios y colores. También se elabora el storyboard, se graban los diálogos y se hace un animatic con tiempos y música de referencia.

Producción

En producción, se sincroniza el audio con la animación (track breakdown), se crean layouts y se pintan los fondos. Luego, se realiza la key animation y la animación de fotogramas intermedios. Se revisa la fluidez con un línea test, se limpia y refina la animación (clean up), y se digitaliza y colorea con ink & paint. Finalmente, se hace la composición de escenas y el rendering.

Post-producción

La post-producción incluye la edición de video y audio, la creación de efectos sonoros (foley), la sincronización y mezcla del audio, el etalonaje y la exportación final.

Distribución

En la distribución, se preparan los formatos, copias y registro de la obra, y se distribuye en festivales, internet o para venta.